dilluns, 31 de maig del 2010
dilluns, 10 de maig del 2010
Antonio López Garcia
Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.
Nació meses antes del inicio de la Guerra Civil. Es el mayor de cuatro hermanos, sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, coincidiendo allí con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela Madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez.
Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales (1957, 1961) en Madrid mientras trabaja tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer.
En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, del que nacerían dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando.
En 1992 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa.
Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades.
Antonio López
Con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.
A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.
Dubuffet
Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.
Dubuffet resusito en Le Havre. Se mudó por primera vez a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.
Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, crea figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles:(se inspiro en los dibujos de los niños,los criminales y dementes) personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie"DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS"
Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.
Joan Fontcuberta
Joan Fontcuberta (1955, Barcelona -) es un artista, docente, ensayista, crítico y promotor de arte especializado en fotografía, premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988, Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura en Francia en 1994 y Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura de España en 1998.
Licenciado en Ciencias de la Información, Fontcuberta es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y la Harvard University de Cambridge (Massachusetts), funciones que desempeña simultáneamente con su colaboración con diversas publicaciones especializadas en imagen. En 1980 fue co-fundador de la revista PhotoVision, editada en formato bilingüe español e inglés, ocupando el cargo de redactor jefe.
Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía en 1979 y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, comisarió la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945 exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el Centro internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 mostrada en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arlés. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura.
Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.
Entre 1985 y 2001, la obra de Fontcuberta fue expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Folkwang Museum de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokyo, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Musée de l'Elisée de Lausana, 1999, el MNAC-Museo Nacional de Arte de Catalunya de Barcelona, 1999, o la Redpath Museum de Montreal, 1999.
Su obra ha sido adquirida por colecciones públicas, especialmente de Estados Unidos, Alemania, Francia, España y Argentina como el Centre Georges Pompidou de París; el Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art de Nueva York; el Art Institute de Chicago; el Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo; el I.V.A.M. de Valencia y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Links:
http://www.fontcuberta.com/ (wep de l’autor)
diumenge, 9 de maig del 2010
Martin Page
Martin Page (7 de febrero de 1975)[1] es un escritor francés, autor del libro superventas Cómo me convertí en estúpido. Es considerado uno de los novelistas contemporáneos que mejor y con más humor han reflejado la desesperación social de la cultura occidental.
Martin Page pasó su juventud en las afueras de París, ciudad en la que vive en la actualidad.[2] Estudió en la Universidad numerosas disciplinas humanistas sin un plan preciso, tales como derecho, filosofía, psicología, historia del arte, sociología, antropología y lingüística.[3]
Publicó su primera novela, (Comment je suis devenu stupide, 2001) a los 26 años y rápidamente se convirtió en un éxito editorial.[4]
http://www.evene.fr/livres/actualite/interview-de-martin-page-180.php (entrevista)
http://lapetitemarchandedebombes.blogspot.com/ (blog on participa l’autor)
Richard Hamilton
Richard Hamilton (Londres, 24 de febrero de 1922 - ) es un pintor británico, pionero del arte pop británico.
Tras dejar el colegio sin conseguir ningún título, entra a trabajar en una agencia publicitaria, mientras que acude a clases nocturas en el St. Martin's School of Art y el Westminster Technical College. Con dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para estudiar pintura, donde permanecería dos años. Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, llevando a cabo su primera exposición en solitario en 1950, presentando una colección de aguafuertes.
En los años cincuenta, su obra, influida por Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se preocupa por el movimiento o la perspectiva.
1952 sería un año clave en su trayectoria artística. Ese año empezó a impartir clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Al tiempo fundó junto a Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway, Peter y Alison Smithson y Nigel Henderson el Independent Group en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA).
En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título This is Tomorrow. Hamilton organizó la contribución del Independent Group a la muestra, en la cual presentaría su collage Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?), el cual se convertiría en el manifiesto del arte pop británico, movimiento en el que interpretaría un papel esencial.
En esta obra aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups (caramelo con palo) sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta tierra a modo de techo.
Su obra se nutriría desde entonces de los motivos y elementos de la cultura popular y de masas.
También fue el diseñador de la cubierta del White Album (Album Blanco) de The Beatles, en 1968.
En 2007 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann.
Peter & Alison Smithson
Arquitecto británico nacido en Stockton-on-Tees, Dirham. Junto a su esposa Alison Smithson (Sheffield, 1928-1993), fueron figuras líderes en la arquitectura internacional y la escena de planificación urbana en las décadas de los 50 y 60, además de ser promotores de un enfoque intelectual pragmático, anti-retórico y experimental, ejemplificado en su trabajo con el Equipo X. Se casaron en 1949 y abrieron un estudio en Londres. La casa de Colville Place, 46 en el Soho, es una de las primeras casas que diseñaron para sí mismos. El edificio de la Escuela Hunstanton en Norfolk (1954), considerada como el manifiesto del Movimiento Brutalista, es recordado como el proyecto en el que ese término fue usado por primera vez, como la única salida para el movimiento modernista. Este edificio destacó por su extraordinaria austeridad y su claridad formal. Las fachadas se estructuraron mediante paneles acristalados de la talla de las habitaciones. Los suelos se realizaron con losas de hormigón y las paredes, tanto en el exterior como en el interior, con ladrillo visto. Todos los materiales aparecían tal como eran, sin pintar, y se dejaron incluso las instalaciones eléctricas y las tuberías a la vista. Otro edificio importante es el Economist Building de Londres (1967). Los Smithson buscaron la fuerza que conducía sus emociones, ejercieron una influencia significativa en el arte pop de Inglaterra, y con ellos la arquitectura tomó todo su tiempo.
dijous, 6 de maig del 2010
Eduardo Paolozzi
El profesor Sir Eduardo Luigi Paolozzi CBE FRA (7 de marzo de 1924 – 22 de abril de 2005), fue un escultor y artista escocés. Paolozzi nació en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la Slade School of Art en Londres desde 1944 hasta 1947, después de lo cual trabajó en París, Francia.
Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varios impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything [1], a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista. Posteriormente se haría mejor conocido como escultor. Paolozzi es conocido por crear bastantes estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o removidos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista.
Entre sus obras están:
- Las paredes llenas de mosaicos de la Tottenham Court Road tube station.
- La cubierta del álbum de Paul McCartney Red Rose Speedway.
- La paneles de los techos y la tapicería de las ventanas del Castillo Cleish.
- La escultura "Piscator" fuera de la Euston Station de Londres.
- Puertas de aluminio con relieves para el Hunterian Museum and Art Gallery de la Universidad de Glasgow
- Casos de displayamientos en el Museo de Escocia.
Enseñó escultura y cerámica en varias instituciones, tales como la Universidad de California, Berkeley (en 1968) y en el Royal College of Art. Paolozzi ha tenido una larga relación con Alemania, habiendo trabajado en Berlín desde 1974 como parte del Artists Exchange Scheme. Fue profesor de la Fachhochschule en Colonia desde 1977 hasta 1981, y posteriormente enseñó escultura en la Akademie der Bildenden Künste en Múnich.
Paolozzi fue condecorado con la CBE en 1968 y en 1979 fue elegido para la Royal Academy. Recibió el título de Her Majesty's Sculptor in Ordinary for Scotland en 1986, conservando el oficio hasta su muerte. Se convirtió en Sir Eduardo después de su ordenación en 1989.
En 1994 Paolozzi dio a la Scottish National Gallery of Modern Art una buena cantidad de sus obras, y mucho del contenido del estudio del artista. En 1999 las Galerías Nacionales de Escocia abrieron la Dean Gallery para mostrar su colección, y la galería muestra una reproducción del estudio de Paolozzi, con sus contenidos arreglados como lo estaban en su ubicación original en Londres.
En 2001 Paolozzi sufrió un accidente cerebrovascular casi fatal (causando un reporte incorrecto en una revista que señalaba que había muerto).
Sin embargo, la enfermedad lo confinó a una silla de ruedas, y murió en un hospital de Londres en abril de 2005.
Pistoletto, Michelangelo
Biella, 1933
Pintor y escultor italiano. Se inicia tempranamente en el arte de la mano de su padre, restaurador de cuadros. Su obra se encuadra dentro del arte povera y también en la corriente del nuevo realismo, surgida en la década de los sesenta como reacción al ..."cansancio y la esclerosis de todos los vocabularios existentes, de todos los estilos"..., en palabras del propio teórico del movimiento, el francés Pierre Restany. Para los nuevos realistas, el mundo se revela como un cuadro, una gran obra maestra, de la que extraer determinados fragmentos dotados de significado universal. Dentro de este contexto se engloban las pinturas de espejo que tanta fama le han dado. En muchas de ellas aparecen figuras humanas sobre las que también se reflejan el espectador y el resto de la sala, la cual pasa a formar parte de la obra. El objetivo es crear una tensión entre el reflejo móvil del espectador y la imagen congelada de la imagen pintada, jugando al mismo tiempo con el concepto de doble. Por otro lado realiza obras con materiales como el plexiglass o la piedra miliaria. Dentro de sus trabajos más conocidos está el gran conjunto de esculturas e instalaciones Oggetti in meno (1965 - 66). De la segunda mitad de esta década son asimismo Monumentino y La Venus de los trapos (1968) y ya dentro de los años ochenta destaca la serie Imagen (1989). El GAM de Turín le dedica una retrospectiva en el año 2001.
Links:
http://www.pistoletto.it/ (web de l’autor)
Yves Klein
Klein nació en Niza. Sus padres, Fred Klein y Marie Raymond, también fueron pintores. Desde el año 1942 hasta el 1946 Klein estudió en la "Escuela Nacional de la Marina Mercante", y en la "Escuela Nacional de Lenguas Orientales", practicó el judo. En esa época, comenzó su amistad con Arman Fernández y Claude Pascal, y comenzó a pintar. Klein compuso su primera Sinfonía monótona en el año 1947. Entre los años 1948 y 1952, viajó a Italia, Gran Bretaña, España y Japón. En el año 1955 fijó su residencia permanente en París, donde le dedicaron una exposición individual en el "Club des Solitaires". Sus pinturas monocromáticas fueron objeto de exposiciones en la Galería Cloette Allendy y la Galería Iris Clert, en París, en 1946. Klein murió en París de un ataque al corazón poco antes del nacimiento de su hijo.
Piero Manzoni
Piero Manzoni (13 de julio de 1933 - 6 de febrero de 1963) fue un artista italiano célebre por su arte conceptual irónico, como respuesta a la obra de Yves Klein.
Manzoni nació en Soncino, provincia de Cremona.
Experimentó en sus cuadros con múltiples pigmentos y materiales. Una vez usó pintura fosforescente y clorato cobáltico para que los colores cambiaran continuamente. Aunque también tenía ideas más extravagantes, como hacer esculturas de algodón blanco, fibra de vidrio y piel de conejo.
En 1958 creó "esculturas neumáticas", 45 membranas que eran usadas como válvulas. El comprador también podía llevarse el aire de Manzoni dentro de una de ellas. Intentó crear una especie de "animal mecánico" como si fuera una escultura dinámica usando energía solar como fuente de energía
En 1960 Manzoni marcó su huella dactilar en varios huevos duros y los consideró obras de arte. Dejaba al espectador comerse la exhibición entera en 70 minutos. También vendía fotocopias de sus huellas dactilares. Designó a varias personas "obras de arte andantes", entre ellas Umberto Eco.
En mayo de 1961 Manzoni puso sus excrementos en 90 latas de metal de 5 cm de alto y un diámetro de 6,5 cm y las etiquetó lateralmente con las palabras "Mierda de Artista" en los idiomas italiano, francés, inglés y alemán: Merda d’artista, Merde d’artiste, Artist’s shit y Künstlerscheiße. Vendió cada lata al peso teniendo en cuenta la cotización de oro del día. Algunas latas están en Galerías de arte famosas, entre ellas se cuentan el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el centro Georges Pompidou de París, la TATE Gallery y el MOMA de Nueva york. Algunas latas han explotado por la expansión de los gases. Supuso unas de las críticas más radicales sobre la valoración de las obras de arte. En el año 2007 se llegó a subastar un ejemplar en 124.000€.
El mismo año firmó en el cuerpo desnudo de gente para que fuera exhibida como obras de arte (incluso dio certificados de autenticidad). También creó una "base mágica", con la que una persona, al estar encima de esta base, se convertía en una obra de arte.
Piero Manzoni murió a causa de un infarto de miocardio en su estudio de Milán en 1963.
Christo
Artista estadounidense de origen búlgaro, cuyo nombre completo es Christo Javacheff. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos. Sus primeras obras eran empaquetages, en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros. Su obra de mayores dimensiones fue Running Fence (Valla continua, 1976), una franja de nailon de 5,5 metros de altura que se extendía a lo largo de 40 kilómetros a través de dos condados de California. Tanto esta obra como la anterior Valley Curtain (Cortina del valle, 1972) fueron tema de documentales realizados por los directores de cine de vanguardia Albert y David Maysles. Otras obras son las Surrounded Islands, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), once islas enmarcadas con 650.000 m2 de tejido de polipropileno, The Pont New Wrapped (El Pont Neuf empaquetado, París, 1985). En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín. Entre sus proyectos aún no realizados están la Puerta de Alcalá en Madrid y la estatua de Colón en Barcelona.
links:
http://www.christojeanneclaude.net/ (web de l'autor)
Katharina Fritsch
Katharina Fritsch (1956) está considerada como una de las revelaciones de los últimos veinte años en el terreno de la escultura. Escultora alemana. Se forma en Dusseldorf con el escultor Fritz Schwegler. Su obra, kitsch y solemne a la vez, ha sido puesta en relación con tendencias como el minimalismo o el arte conceptual , y también se ha señalado la afinidad de algunas de sus piezas con las del español Juan Muñoz. Sus instalaciones producen sobre el espectador una mezcla de familiaridad e irrealidad. Son piezas de extremo realismo y cuidada confección, en las que se introducen variaciones de escala y color. Algunas de sus obras más conocidas son El rey rata (1993), monstruosa reunión de ratas de tamaño monumental, o Heart of money (1998-2000), un gran campo de monedas dispuestas en forma de corazón.
En 1995 participa en el pabellón alemán de la Bienal de Venecia junto con Thomas Ruff y Martin Honert. Su obra ha podido verse en importantes centros y museos internacionales como el Museum of Modern Art de San Francisco, la Tate Modern de Londres, la Fundación DIA de Nueva York, el Kunsthalle de Dusseldorf, o el MCA de Chicago.
Sus obras están suelen estar diseminadas por medio mundo y en constante viaje. Ahora mismo, en Nueva York, su trabajo se puede ver en la MATTHEW MARKS GALLERY, en una exposición colectiva que tiene por titulo “Painting: Now and Forever, Part II” (hasta el 15 de Agosto). También, y durante el próximo mes de agosto, el trabajo de esta escultora alemana estara expuesto al publico en el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, la galería Marta Herford, Herford (Alemania) o en el Villa Manin Centre for Contemporary Art de Codroipo, Italia, entre otros.
Colin Self
Artista pop británico, cuyo trabajo ha tratado el tema de la guerra fría.
Como estudiante en la escuela del Slade de la bella arte a partir de 1961 al uno mismo 1963 de Colin (b.1941, Rackheath, Norfolk, Reino Unido) recibió el estímulo para sus dibujos y collages de los artistas David Hockney y Peter Blake. Las visitas a los E.E.U.U. y al Canadá en 1962 y 1965 aumentaron su sentido de la política de la guerra fría y los acontecimientos tales como el misil cubano Crisisand que marcha el CND lo llevaron a crear impresiones highly-innovative tales como bombardero nuclear No.1 (1963), una de las aguafuertes múltiples más tempranas de la placa, y pinturas tales como mujeres que esperaban y dos bombarderos nucleares (1962-63) del `[1]. Él también exploró la relación entre la violencia y la amenaza sexual en los dibujos de modelos atractivos y sus esculturas nucleares de Bomber de la Leopardo-piel icónica del `.
Después de su viaje a los Estados Unidos en 1965 él produjo una serie de dibujos basados en los abrigos de polvillo radiactivo nucleares americanos, interiores del cine del art déco y de perritos calientes, que él describió como siendo `como importante un desarrollo del vigésimo siglo como (diga) cohete. 'Su estilo altamente personal y distintivo del dibujo llevó al artista Richard Hamilton a llamarlo `el mejor proyectista de Inglaterra desde Guillermo Blake. 'Durante el uno mismo de los años 60 demostró con la galería de Roberto Fraser, Londres. Como printmaker, el uno mismo ha sido un gran innovador y era una figura central en el auge de los años 60 en printmaking. Las imágenes del dibujo de una variedad de fuentes comerciales, él creó la serie de la energía y de la belleza de las serigrafías (1968) en las ediciones Alecto mientras que su preludio de la habitación que grababa al agua fuerte a los 1000 objetos temporales de nuestro tiempo (1970-71) intentó proporcionar un expediente único de la sociedad en caso de su destrucción posible [2]
Sospechoso del uno mismo del mundo del arte comercial trabajó en el aislamiento durante los años 70, buscando un sentido del consuelo con la producción de watercolours y de carbones de leña atmosféricos de los paisajes de su condado nativo Norfolk, y de Escocia. A partir el uno mismo la 1972 a 1974 trabajó en colaboración con el alfarero alemán Mathies Schwarze en la cerámica de Töpferei Schwarze cerca de Colonia, Alemania. Un viaje a la antigua Unión Soviética en 1985-6 proporcionó estímulo adicional a sus exploraciones de la cultura de la guerra fría. Sus collages a partir de los años 80 al hoy combinan su interés en la yuxtaposición surrealista y el subconsciente, con una imaginación visual inventiva. Algunos de estos trabajos tales como hombre ardiente del `que salta de Building' (1983) y del `Nueva York Disaster' (1998) aparecen notable prescientes teniendo en cuenta acontecimientos tales como el ataque contra el World Trade Center en 2001, mientras que otros crean el alumbrador, las narrativas a menudo chistosas del material encontrado en vida cotidiana - una extensión de la lengua del arte pop. En 1997 la galería de Tate llevó a cabo una demostración de todas sus tenencias de su trabajo. Desde 2000 el uno mismo ha trabajado en su habitación de la odisea/de Iliad del `de las aguafuertes, en las cuales el artista ha vuelto a su técnica de los años 60 de la aguafuerte de la múltiple-placa para relatar de nuevo la historia clásica de Homer usando encontrar-imágenes y temas contemporáneos.
Una retrospectiva de su trabajo dio derecho al “uno mismo de Colin: El arte en la edad nuclear” será llevado a cabo en la galería de la casa de Pallant, Chichester (el 21 de junio -12 el octubre de 2008) y curated por el historiador de arte Simon Martin. [3] También habrá una pequeña demostración comercial de los trabajos de los años 60 en la galería de Delaye-Saltoun en Londres (el 20 de junio-1 de agosto de 2008).
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